Los temas y conflictos de los seres humanos que Ibsen desplega en escena nos golpean profundamente. Nos encontramos delante de un autor comprometido de manera responsable e inquietante, un autor vivo y sorprendentemente actual.Y es que detrás de lo que de una manera obvia podemos captar - la arquitectura dramática, los detalles inesperados, las grandes palabras y los grandes conceptos - presentamos una fuerza fascinadora: el temor de vivir, de la nada de la muerte, el deseo apasionado e insaciable de alguna cosa vaga, alguna cosa que pueda dar a la existencia, a nuestra vida personal, un sentido, una coherencia, un motivo para disfrutar del hecho de estar vivos.

Es desde este lugar que hemos querido explicar Espectres, una de las obras de Ibsen más polémicas. Un intento de aproximación desde nuestras vidas de hombres y mujeres del siglo XXI, con un total convencimiento que la lucha entre el individuo - el ser que buscasu propia verdad personal- y el ciudadano - el ser domesticado que se identifica con la necesidad de las mayorías - es la dialética imprescindible para movilizar y transformar nuestras sociedades.

No era el mejor día para salir, lloviendo a cántaros lo único que apetecía era estar en casa bajo la manta leyendo con algo calentito entre las manos, pero un regalo es un regalo y más cuando Emma Vilarasau vuelve a escena. No me arrepiento de la ropa mojada, de la incomodidad de estar sin estirar los pies para no chafar el paraguas porque valió la pena. Se dejan la piel en el escenario, desgarran las palabras hasta la última gota de su esencia dejando mucho más que susurros. Magistral Emma, que os voy a contar que no haya hecho ya, peor también magnífico Ramon Pujol, desconocido hasta ahora y que seguro dará mucho de que hablar en el futuro.

Una obra de secretos, mentiras medio verdades, de vidas frustradas por las apariencias, por el "qué dirán", "si se supiese", vidas marcadas por no hablar, no saber decir las cosas, no ver más allá o pensar demasiado allá sin tener en cuenta que aquello que pensamos quizás nollegue a suceder nunca y las palabras que escondemos saldrán cuando casi hayan perdido todo su mensaje. De dolor, de sueños rotos, delirios físicos e intelectuales que merman, que hacen débil al más fuerte, de la "alegría de vivir" puesta en gente que no es auténtica y que se mueve por conveniencia. Todo esto y más en escasos 90 min sin interrupción. Resultado: actores exhaustos, casi diez minutos de aplausos y la sensación de haber estado mejor que en casa.

El martes por la mañana, se encuentra el cadáver del director del Museo en su despacho. ¿Qué ha ocurrido? La policía cinetífica y técnica está trabajando sobre el terreno. Toma muestras de los numerosos indicios: casquillos de bala, restos de sangre, fibras textiles, huellas dactilares. Observad vosotros también el escenario del crimen. Entrad en los laboratorios donde se analizan las pruebas relacionadas con sus autores. Luego, seguid el interrogatorio de los sospechosos. ¿Llegaréis a desenmascarar al asesino?

Descubriréis la criminología, un mundo apasionante que hace uso de las técnicas punteras en los campos de la química, la biología, la física, la odontología, la entomología, la balística... La exposición presenta ocho laboratorios que pfrecen una visión de las técnicas científicas utilizadas para resolver crímenes, en los que descubrireis una pequeña parte del trabajo cotidiano de estos profesionales. Investigad a aquellas personas que puedan proporcionaros idicios: huellas dactilares, ADN y restos biológicos, restos de cabellos, fibras y microfibras, entre otros.

Participad en los interrogatorios y elaborad vuestra propia opinión, confeccionad un retrato robot para decidir a cuál de los trs principales sospechosos enviaréis ante la Justicia. Escuchad entonces la citación del juez de instrucción. Pero no lo olvideis: sólo la Justicia podrá pronunciarse sobre la culpabilidad de uno de los sospechosos.

Divertida experiencia como CSI... algunas de la técnicas utilizadas me han sorprendido y algunas me ha gustado ver que no son tan distintas a las que se utilizan en otros ámbitos. A pesar de la tecnólogia una parte importante de este trabajo (en este caso ficticio) continúa siendo la observación, tanto del escenario del crimen como de las declaraciones y reacciones de los acusados o sospechosos. Divertido y entretenido rato el pasado en compañía de fibras, saliva, moscas, zapatos y otros utensilios que el sospechoso dejo abandonado en el peor sitio posible. Me ha gustado mucho la propuesta. 

Os la recomiendo si estaís en Barcelona o nos haceis una visita. Teneis tiempo hasta Febrero del 2009.

No es país para viejos, mejor película

Joel y Ethan Coen, mejor dirección por No es país para viejos

Daniel Day Lewis, mejor actor por Pozos de ambición

Marion Cotillard, mejor actriz por La vida en rosa

Diablo Cody, por Juno, mejor guión original

Taxi to the Dark Side, mejor documental

Freeheld, mejor corto documental

Dario Marianelli por Expiación, mejor banda sonora

Robert Elswit, por Pozos de ambición, mejor fotografía

Falling Slowly (tema del filme Once), mejor canción original

Los falsificadores, mejor película de habla no inglesa

Christopher Rouse, por El ultimátum de Bourne, mejor montaje

El ultimátum de Bourne, mejor mezcla de sonido

El ultimátum de Bourne, mejor montaje de sonido

No es país para viejos, mejor guión adaptado

Pedro y el lobo, mejor corto de animación

Le Mozart des Pickpockets, mejor corto

Javier Bardem, mejor actor de reparto por No es país para viejos

Tilda Swinton, mejor actriz de reparto por Michael Clayton

Sweeney Todd, mejor dirección artística

La brújula dorada, mejores efectos especiales

La vida en rosa, mejor maquillaje.

Ratatouille, de Disney, mejor película de animación.

Elizabeth, la edad de oro, mejor diseño de vestuario.

Robert Boyle, Premio honorífico

Una noche más el oro de la preciada estatuilla ha brillado con luz propia. Premios esperados (Javier Bardem, Daniel Day Lewis, El ultimatum de Bourne) y premios inesperados (Marie Cotillard, Tilda Swinton superando a una magnífica Cate Blanchet). Una noche europea en la meca del cine. cinco premios para el viejo continente dan fe de la fuerza con la que los actores europeos han irrumpido en Hollywood. Me gustan los premios, me gusta que sea una ceremonia tan abierta, que haya sorpresas y premios cantados desde hace días.

Ahora esperaré que me llegue la Fotogramas para disfrutar de las anécdotas, de los vestidos y del desfile en la alfombra roja.

En los siglos pasados, el parecido habitó la pintura durante mucho tiempo. Lo mismo ha sucedido con el cuerpo, que se ha estudiado y analizado en las academias de Bellas Artes con imágenes bonitas y tranquilizadoras. En el siglo XX, surge un nuevo sentimiento. Nace una manera de ser, de vivir, de pensar. Aunque el académico vela y puede, de vez en cuando, retomar el paso. Ahora bien, los creadores conquistan una nueva libertad, y cada uno de ellos aprende a hacerse responsable de sí mismo.

¿Qué tienen en común las representaciones de un cuerpo de Derain, Matisse, Picasso, Bacon, Giacometti, Chagall, Miró, Freud, Magritte, Stäel, Klein, Tàpies?Nada, salvo la libertad de decir, no lo que ven, sino lo que son. Proclaman con fuerza la posibilidad de hacer aparecer un cuerpo en las incertidumbres de la vida.

Así, en la pintura, pero también en la escultura del siglo XX, el cuerpo está marcado, en muchos creadores, por una incesante inspiración y por unas contradicciones que han abierto vias insospechadas, audaces y generosas. Esos artistas nos revelan un tono, si no confensiones, confidencias reales cuando menos. Desde entonces, el cuerpo puede exhibirse sin complejos; no se disfraza con oropeles. Los artistas, conscientes de haber encontrado la posibilidad absoluta de expresarlo, traducen su grandeza, así como su extremada y dolorosa fragilidad. Tejen nuevas presencias, hechas tanto de distancia como metafísica. El cuerpo reencuentra el sentido de los orígenes. En adelante, puede mostrarse sin sorpresa, sin trabas, sin misterio. Por el placer extremo de contemplarlo, por fin, en su verdad, bella, perturbadora, inesperada. Un cuerpo sin límites.

Fundación Joan Miró; 26 de Octubre 2007 - 27 de Enero 2008 

Siempre he reconocido que me gusta más la pintura figurativa que la abstracta o aquella que necesita de alguna interpretación. No consigo entenderlas porque para mi sólo son un conjunto de colores, manchas, rayas y texturas puestas en un lienzo, pocas veces me motivan alguna cosa distinta a la indiferencia pero esta exposición me sorprendió agradablemente. Pintores muy conocidos con un temario común, el cuerpo humano y sus distintos matices, una diversa idea del concepto cuerpo...

Bastante recomendable aunque no guste mucho la pintura moderna

Charles Spencer Chaplin (1889-1977) fue una de las figuras más relevantes del arte cinematográfico de siglo XX y uno de los máximos exponentes del cine mudo. Actor, director, guionista y compositor de la música de sus filmes, inició en 1914, con una serie de cortometrajes cómicos, una trayectoria de más de cincuenta años que llegaría hasta La condesa de Hong Kong, rodada en 1967 con Marlon Brando y Sofia Loren.

El primer Charlot era un personaje interesado y sin escrúpulos que se aprovechaba de las oportunidades que le ofrecía la vida. En poco tiempo, el vagabundo se humanizó y pasó a representar al hombre corriente, al personaje de la calle enfentado con los poderes que dominan el mundo.

Esta exposición reúne más de trescientos documentos, principialmente fotografías, carteles, material documental y fragmentos de películas, algunos de ellos inéditos, que permiten ofrecer una visión global de su obra desde diferentes puntos de vista:

- La creación de Charlot: un humor refinado y sensible sustituyó progresivamente a las caídas y los coscorrones.

- Chaplin cineasta: Sus películas recogen elementos autobiográficos en El chico, de crítica social en Luces de ciudad y de actualidad política en El gran Dictador.

- La coreografía de Charlot: Una de las claves del éxito fue la pantomima, sus movimientos automatizados que rápidamente tuvieron imitadores.

- Charlot y la vanguardia: Símbolo de modernidad, por su plasticidad física y sus automatismos.

- De la fama al exilio

- Chaplin habla, Charlot muere

- Charlot en España

Una de las mejores exposiciones que he visitado, multitud de fotografías, de documentos, de curiosidades, de objetos inéditos, cortometrajes hilarantes, escenas eliminadas sobre un personaje que todo el mundo conoce, que todo el mundo ha imitado en alguna ocasión. Uno de los personajes universales del cine que vivirápara siempre en la historia.

Magnífico conjunto de dibujos reunidos a lo largo de más de treinta años por el coleccionista Louis-Antonie Prat. La colección Prat cuenta con un fondo de 230 láminas, y en esta exposición se muestra una selección de un centenar que permite realizar un recorrido por el arte francés desde el siglo XVII hasta las primeras vanguardias.

Algunos de los dibujos permiten seguir las diferencias etapas de un proceso creativo: descubrir los mecanismos de composición de un artista, estudiar la evolución de su mirada o el modo en que fue modelando la forma a partir de una idea inicial. En unos casos, el dibujo es principio y final, una obra acabada que articula la mirada sobre el mundo con procedimientos muy distintos a los de la pintura. En otros, es soporte, esbozo que permite plantear ideas que se desarrollarán más adelante con diferentes lenguajes.

Mujer arrodillada junto a una cama - Antonie WATTEAU

Pequeña y coqueta exposición, llena de pequeños detalles, de texturas, de trazos, puestos por algún motivo sobre un papel, y que juntos nos enseñan mujeres, hombres, niños, paisajes, dolor, ternura, sencillez, cosas cotidianas. Algunos apenas se intuyen, otros te asombran por su oscuridad... alguno parece una fotografia en sepia, retrato antiguo de estudio y te maravillas de que alguien con una plumilla sea capaz de crear esas maravillas.

Retratos de dieciséis hombres - Louis-Léopold BOILLY

Encontramos algún dibujo de artistas recordados por otras facetas artísticas que la pintura o en este caso el dibujo pero que también dan muestra de todo su talento con el carboncillo

La tempestad - Víctor Hugo

Mujer con torso en tres cuartos derecha - Charles Baudelaire

Desde hace unos meses, no tenía ganas de nada. Los amigos que le visitaron tras el verano le vieron algo bajo de tono. Y ayer por la tarde, tras sufrir una insuficiencia cardiorrespiratoria después de llevar ingresado casi un mes en la unidad de oncología del hospital de la Paz de Madrid, murió Fernando Fernán Gómez, a los 86 años. Compañeros de profesión, escritores y numeroso público destacaron la pérdida del autor de El viaje a ninguna parte, un actor grandioso, un literato mordaz y un hombre íntegro con un carácter difícil.
El madrileño Café Gijón se puso ayer de luto por quien en 1949 ideó el premio de novela de este célebre local de tertulias literarias. Durante todo el día de hoy, los restos de Fernán-Gómez estarán expuestos en el Teatro Español de Madrid, donde recibirán el último adiós popular. Después, vendrán los homenajes, pero para muchos el mejor honor que se le puede hacer a este "hombre del Renacimiento", como lo definió el ministro de Cultura, César Antonio Molina, es volver a ver sus películas, como La lengua de las mariposas y El extraño viaje, y leer sus obras de teatro y novelas --tenía 110 registradas en la SGAE--, entre ellas, Las bicicletas son para el verano, El ascensor de los borrachos y las memorias El tiempo amarillo. Mientras, su voz se seguirá oyendo cada vez que el anuncio de la liga de fútbol salga en televisión.

INGENTE PRODUCCIÓN
"No hay nadie que esté a su altura", comentó Ángeles González-Sinde, presidenta de la Academia de Cine, al conocer la noticia. Sus palabras no carecen de sentido al contemplar la ingente creación artística de Fernán Gómez. Protagonizó casi 200 películas, dirigió 20 y escribió otros tantos libros en los que volcó la biografía de ese niño al que la guerra civil le impidió estudiar una carrera y la posguerra le obligó a ocultar sus ideas políticas y a trabajar a destajo.
Tenía los más grandes premios que un gran creador, "de los últimos de una gran estirpe", según Aitana Sánchez-Gijón, puede recibir. Los jurados que se los otorgaron no dudaron en trascender al mero intérprete. La Fundación Príncipe de Asturias, que le premió en 1995, recordó que Fernán Gómez era un "testimonio crítico de nuestro tiempo".
Desde 1998 era miembro de la Real Academia Española (RAE). Fue galardonado con siete goyas y todos los más grandes premios que un gran creador pueda recibir: el Príncipe de Asturias, los nacionales de Cine y Teatro, la medalla de oro de las Bellas Artes, el Oso de Oro honorífico del festival de Berlín y el del certamen de San Sebastián, entre otros.
Nació por casualidad en Lima (Perú), el 28 de agosto de 1921 durante una gira que realizaba su madre, la actriz Carola Fernán Gómez, fue inscrito en el consulado de Buenos Aires (tuvo la nacionalidad argentina hasta 1970), pero se crió en Madrid con su abuela. Cuando la guerra frustró sus estudios universitarios, Fernán Gómez se subió a un escenario y allí lo descubrió Enrique Jardiel Poncela.
Divorciado de María Dolores Pradera, con la que se casó en 1945 y tuvo dos hijos, se casó en el 2000 con la actriz Emma Cohen, después de tres décadas de convivencia.

La actriz británica Deborah Kerr, protagonista de clásicos del cine como 'De aquí a la eternidad' y 'El Rey y yo', que padecía Parkinson desde hacía varios años, murió el martes en el condado de Suffolk, en el sureste de Inglaterra.

Una dama sera y fría en brazos de los reyes del celuloide

La actriz escocesa brilló en el celuloide con su mirada elegante y profunda que no le impidió protagonizar tórridas escenas de amor y trabajar en excelentes películas con los mejores directores de Hollywood. Convertida en un icono del glamour del siglo XX, Kerr trabajó a las órdenes de cineastas tan prestigiosos como Fred Zinnemann, John Houston, Joseph L. Mankiewicz y Vincent Minelli, y estuvo en brazos de actores tan famosos como Cary Grant, Burt Lancaster, Robert Mitchum, Spencer Tracy y David Niven.

Nació en la localidad escocesa de Helensburgh (Gran Bretaña) el 30 de septiembre de 1921. Hija de un capitán del Ejército británico, se educó en el Northumberland House de Bristol.

Kerr, que estudió danza y arte dramático en la academia de su tía, Phillis Smale, a los veinte años abandonó el baile y comenzó a trabajar como actriz en una compañía de teatro, participando desde entonces en montajes como 'West End Stage', 'Heartbreak House' y 'Gaslight'. Pero su debut cinematográfico llegó en 1941 con 'Major Barbara', de Gabriel Pascal, con el que recibió el premio revelación por la Motion Picture Herald Fame-Poll. Previamente, había participado en el rodaje de 'Contrabando' (1939) pero su intervención no fue incluida en el montaje final. Hasta 1947 Kerr no debutó en Hollywood con la película 'The Hucksters', de Jack Conway.

En la década de los cincuenta y los sesenta la pantalla la amó y la consagró con los filmes 'Las minas del Rey Salomón' (1950), 'Quo Vadis' (1951), 'El prisionero de Zenda' (1951), 'Julio César' (1953), 'Té y simpatía' (1956), 'Buenos días tristeza' (1958) y 'La noche de la iguana' (1964).

Su elegancia y aires distinguidos la llevaron a interpretar papeles de "dama seria y fría" que se rompió en miles de pedazos ante la miradas de los espectadores que observaban las románticas escenas con Burt Lancaster en 'De aquí a la eternidad' (1953) y su adulterio con Montgomery Clift.

Su trayectoria cinematográfica por 'Edward, mi hijo' (1949), 'De aquí a la eternidad' (1953), 'El Rey y yo' (1956), 'Sólo Dios lo sabe' (1957), 'Mesas separadas' (1959) y 'Tres vidas errantes' (1960) la condujo en seis ocasiones a la candidatura al Oscar como Mejor Actriz, pero en ninguna de ellas se alzó con la estatuilla. Hasta que en 1994 finalmente se lo concedieron por toda su carrera.

En cine, el drama fue el género que más cultivó con excepción de sus incursiones, entre otras, en la comedia, como la cinta 'Página en blanco' (1960).

Además de estos títulos, Kerr pasará a la historia del cine por películas como 'Narciso negro' (1947) y 'Vida y muerte del Coronel Blimp' (1943), de Michael Powell y Emeric Pressburger, y por protagonizar una de las cintas más románticas de los años 50, 'Tú y yo' (1957), de Leo McCarey, donde se enamoraba de Cary Grant a bordo de un crucero transatlántico.

En la década de los setenta, cuando ya era una actriz con muchas tablas, decidió volver a sus orígenes: el teatro, con obras como 'Al día siguiente de la feria', en Londres en 1972. Alternó su actividad teatral con el cine, 'The Assam Garden' (1985), y con el rodaje de películas enlatadas para la televisión: 'A song at twilight' (1981), 'Witness for the prosecution' (1982), 'Ann and Debbie' (1984) y 'Hold the dream' (1986).

Kerr estaba casada con el escritor Peter Viertel desde 1960, y tenía dos hijas (Melanie y Francesca) de su primer matrimonio con Anthony Bartley, del que se divorció en 1959.

Hoy, cuando se ha conocido que falleció hace dos días, en el condado de Suffolk, en el sureste de Inglaterra, el cine le rememora como un de los iconos que nacen para recordar el glamour, la sensualidad y la presencia de seres que son capaces de permanecer en el tiempo.

La maja desnuda

El prendimiento

La familia de Carlos IV

Los desastres

El fusilamiento del 3 de Mayo

Saturno devorando a su hijo

TRES DRAMOLETTE es una de las producciones más importantes de la temporada del CAER, y supone la reaparición de Rosa Mª Sardà a los escenarios, después de su última incursión en WIT, dirigida por Lluís Pasqual. La obra, que gira alrededor de tres pequeños dramas, tres historias con continuidad, tiene muchos elementos autobiográficos y expone la crítica que Bernhard hace del teatro de su época, una situación que para Carme Cané es absolutamente válida a día de hoy.
Thomas Bernhard fue un maestro del dramolette: una pieza dramática breve, satírica y aguda que aborda un tema de actualidad y que se presta tanto a ser leída como representada. Los tres dramolette que Rosa Maria Sardà, Mercè Pons y Pepa López interpretarán en el escenario del Teatre Fortuny se centran en la figura de Claus Peymann, director habitual de las obras de Bernhard y amigo personal suyo, y son un reflejo de sus obsesiones y, en el fondo, un homenaje a contrapelo al Burgtheater, el teatro vienés por excelencia.
En la actualidad, Claus Peymann y el también director Hermann Beil aún representan en Berlín esta obra, pensada y escrita específicamente para ellos. En los Tres Dramolette, tres piezas cortas con un nexo común, Bernhard pone su punto de mira en el mundo del teatro. Transita por este espacio estrecho que separa dos posiciones absolutas como son la verdad y la mentira, la comedia y la tragedia, y la realidad y la ficción. Una comedia sobre el teatro donde todo el mundo se puede ver reflejado.
Tres Dramolette es, en definitiva, un caramelo para los amantes de la dramaturgia, del teatro de texto. Con este montaje, Carme Cané se consolida en la dirección de escena, donde Rosa Maria Sardà es Claus Peymann, el director de teatro idealista a quien nadie hace caso, Mercè Pons es su secretaria Cristiane Schneider y su codramaturgo Hermann Beil, y Pepa López es Thomas Bernhard. Un repartimiento de lujo para todo el humor y todo el horror de Bernhard.

Divertida, con toques irónicos que sirve para ensalzar aún más a Rosa María Sardà, esta vez estupendamente secundada por Mercè Pons (que ganas de volver a verla) y Pepa López. Una puesta en escena algo sobria que resalta el trabajo y las palabras de las actrices. No os la perdais.

Rubens

Maria de Medicis

La masacre de los Inocentes

La adoración de los magos

Las tres Gracias

La muerte de Séneca

Siempre me estoy quejando que hay muchas cajas de clicks por mi casa, últimamente en el salón, la mesa del comedor y el pasillo; que no entiendo el porqué tanta devoción por unas cajas y esos muñequitos azules aunque cuando me lo pide soy la primera en darle promoción (el cartel lleva colgado en el blog cerca de un mes...) pero he de reconocer que hoy he sentido emoción al conocer los números de esta, ya, 4a Feria Nacional. Y es que algo han de tener para:

• Vender 4000 entradas de adulto y 3475 entradas de niño.
• TV3 lo incluyera como noticia destacada en su edición del sábado noche.
• Tele5 y Antena3 hicieran mención en sus noticias culturales.
• Cataluña Radio enviara a un equipo para hacer una conexión en directo la noche del viernes mientras últimaban el montaje de los dioramas.
• El periódico "El Punt" sacara en portada la noticia y la crónica en la página nueve.
• Rac105 hiciera una entrevista a algunos miembros de la asociación con motivo de la exposición.
• Icat FM y Radio Gavà entrevistara a la vocal de Cataluña para contar como estaban viviendo los preparativos.
• "El Periódico de Catalunya", "La vanguardia", "20 minutos", "Metro" publicaran la reseña de la exposición en su agenda para el fin de semana.
• Hayan conseguido reunir en un sólo diorama 3250 muñecos en la recreación de la Batalla de Gettisburg y que supone un nuevo récord europeo.

Batalla de Gettisburg (nuevo récord europeo)

Doma de caballos

Desalojo de la casa okupa

Foro Romano

Estampida de elefantes

El teatro de Shakespeare

Fotos: Dsdmona

En pleno siglo XIV, se celebre un cónclave en una abadía de dominicos para decidir si la Iglesia debería regalar algo de sus riquezas. William de Baskerville es un monje franciscano que se encuentra de paso en la abadía con su joven ayudante. Durante los días de su estancia, se producen varios asesinatos de los que son víctimas los frailes de la abadía. Baskerville decide investigarlos. El inquisidor Bernardo Gui está impaciente por oler el hedor a carne quemada de los condenados a morir en la hoguera por herejía. Puesto que no le gusta Baskerville, desea colocarlo el primero en su lista de herejes. La batalla entre ambos, y una guerra ideológica entre franciscanos y dominicos, se desarrollarán mientras los misteriosos asesinatos de frailes siguen ocurriendo, y William va desvelando poco a poco los motivos de las muertes.

Me tuve que leer el libro en clase de historia para poder hacer luego un trabajo sobre él, creo que nunca he leído algo por obligación con tanto gusto. Me enganchó desde la primera palabra a pesar de que Umberto Eco no es un escritor fácil de leer (también he de reconocer que su nivel de complicación ha ido aumentando en consoncia con sus años). El tema medieval mezclado con la vida monástica en aquella época siempre me ha fascinado y si además lo combinamos con la dosis de misterio de esta novela tenemos los ingredientes perfectos para convertirse en una de mis novelas preferidas.

En 1986, Jean Jacques Annaud la llevó al cine con un joven Christian Slater y un ya maduro Sean Connery, fiel a la novela, la película recrea los oscuros ambientes que había creado seis años antes Eco sobre el papel, llenando de tensión el monasterio con la primera muerte. Duelo de titanes para demostrar quien manda entre esos muros, acuciado por la prisa por llevar a cabo la quema contra la herejía.

Ficha de la película

La actriz madrileña Emma Penella, que para los más jóvenes será siempre para la vecina cascarrabias de Aquí no hay quien viva, falleció en la madrugada de ayer en su casa de Madrid a los 76 años. Aunque poca gente lo sabía, su salud no era demasiado buena. El pasado mes de julio se sometió a una operación de la columna vertebral. Salió bien del quirófano, pero una infección producida por la diabetes que sufría desde hace tiempo acabó con su vida. "Morir trabajando era su ilusión", dijo ayer Emma Piedra, una de tres sus hijas.
Emma Penella será enterrada hoy en el cementerio de La Almudena (Madrid). Su marido, el productor de cine Emiliano Piedra, murió también un mes de agosto hace ahora 16 años. "Es una coincidencia que enterremos a nuestra madre justo ahora que se celebra el aniversario de la muerte de nuestro padre", comentó Emma. "Por lo menos --añadió-- sabemos que desde ahora bailarán juntos para toda la eternidad y continuarán con ese romance tan maravilloso". Además de "la mejor esposa", su hija recordó que la actriz había sido también "la mejor madre y la mejor abuela". "Ojalá todas las familias pudieran disfrutar de un legado como el que ella nos ha dejado", concluyó.

ELOGIOS DE LA PROFESIÓN
Emma Penella, hermana de las también actrices Terele Pávez y Elisa Montes, fue una actriz que se dejó la piel tanto en el teatro como en el cine y en la televisión. Se tomó un respiro profesional al casarse y volvió a los escenarios cuando sus hijas ya estaban criadas. La actriz optó por utilizar el apellido de su madre y no el de su padre, Ramón Ruiz Alonso, quien denunció el paradero de García Lorca horas antes de que le fusilaran.
Sus compañeros de profesión dedicaron ayer bonitas palabras a Emma Penella. Sus colegas en la serie La que se avecina --heredera de Aquí no hay quien viva-- enviaron un comunicado asegurando que la actriz era "pura vitalidad" y estaba "enamorada de la vida".
La máxima responsable de la Academia del Cine, Ángeles González-Sinde, recordó cómo le cautivó la belleza de Emma Penella, especialmente sus ojos, cuando la conoció por primera vez siendo una niña. Compañeros como la actriz Florinda Chico, el director Luis García Berlanga y el actor Quique Camoiras también la calificaron de "persona maravillosa y profesional genial".
Entre tanto elogio, la nota realista la puso Mario Gas, que la dirigió en la obra Frank V. El director teatral calificó a la actriz de "trabajadora, incansable y disciplinada", pero acto seguido añadió que había estado "muy desaprovechada".

Siempre me gustó, la encontraba campechana a pesar de su "humor televisivo", uno de los motivos principales para que me hubiera enganchado a la serie donde actuaba hasta casi su muerte, sus caras y sus expresiones lo mejor...

Descanse en paz

Gabriele Münter

Autum in Bavaria

Improvisación 28 (segunda versión)

Cuadro sobre vidrio con sol

Composición VIII

Composición IX

Reflection

Double portrait

Muchacha con rosas

Mujer con perro blanco

Reflejo con dos niños (Autorretrato)

Un día de Octubre de 1949, Helene Hanff, una joven escritora desconocida, envía una carta desde Nueva York a Marks & Co., la librería situada en el 84 de Charing Cross Road, en Londres. Apasionada, maniática, extravagante y muchas veces sin un duro, la señorita Hanff le reclama al librero Frank Doel volúmenes poco menos que inencontrables que apaciagurán su insaciable sed de descubrimientos. Viente años más tarde, continúan escribiendose, y la familiaridad se ha convertido en una intimidad casi amorosa. Esta correspondencia excéntrica y llena de encanto es una pequeña joya que evoca, con infinita delicadeza, el lugar que ocupan en nuestra vida los libros... y las librerías.

84, Charing Cross Road pasó casi inadvertido en el momento de su publicación, pero desde la década de los setenta se ha convetido en un verdadero libro de culto a ambos lados del Atlántico.

No supe de su existencia hasta hace muy poco, debo confesar que primero ví la película (un sábado por la tarde haciendo zapping la descubrí) y luego supe que había un libro sobre el cual se habían basado para hacer la pelicula.

Excelente adaptación del libro de la mano de David Hung Jones que en el año 1987 se atrevió con esta obra, para mí, intimista a llevarla al cinecon unos magníficos actores en sus papeles principales, Anne Bancroft y Anthony Hopkins, además de la oportunidad de ver a una joven Judi Dench. Fiel al estilo del libro nos regala las imágenes que podíamos imaginar al leer las cartas que se escribieron durante todo el tiempo que duró su relación epistolar. Basada en hechos reales eso le confiere todavía mucha más ternura a sus palabras y demuestra el gran amor por los libros de nuestros protagonistas, además de ser un buen retrato de la evolución de las sociedades americanas e inglesas a través de los años.

Ficha de la película 

Ficha del libro

Con esta adaptación inicio una nueva saga en el blog donde iré colgando algunas adaptaciones de libros en el cine (buenas o malas)... si teneís alguna preferida u odiada y quereis que sea tratada hacedmelo saber.

Playmobil es una línea de juguetes de plástico fabricados por el grupo Brandstäter (geobra Brandstätter GmbH & Co KG) con sede en Zindorf (Alemania).

La base de estos juguetes es un muñeco de 7,5 cm de alto. Sus partes móviles son la cabeza, los brazos y las piernas (las dos juntas -y sólo en algunos pocos casos de a una-) y dependiendo de su antigüedad también las muñecas. Estas figuras disponen de multitud de accesorios, vehículos, edificios, plantas y animales en su misma escala que permiten crear una gran cantidad de escenarios y situaciones en las que el niño toma el control dando movimiento y voz.

Algunos de los coleccionistas incluso los customizan para lograr nueva creaciones totalmente únicas y casi irrepetibles.

Este fin de semana se reunieron algunos de ellos y expusieron sus dioramas (escenas con un tema común) de temática variada (tantas como lineas de creación hay en esos muñecos).

Supermercado (Línea ciudad)

Joyería (Línea victoriana)

Calle (Línea vistoriana)

Vida cotidiana en el interior de una casa (Línea vistoriana)

Vista general pueblo con el castillo (Línea medieval)

Escena con indios y el ejercito (Línea del Oeste)

Caballero con dragón (Línea del mundo de las Hadas)

Detalle del carro (Línea de Granja)

Vida cotidiana (Línea de Granja)

Si teneis curiosidad por descubrir el mundo en azul (color corporativo de los clicks) podeis visitar la página web de la asociación española de coleccionistas: www.playclicks.com 

Fuente: wikipedia

Fotos: Dsdmona

Primavera

Otoño

Invierno

Verano

La joven de la perla

Alegoría de la pintura

La lechera

The astronomer

Vista de Delf

Lección de anatomia

Autoretrato

Student at a table by Candlelight

The triumph of Mordecai

A VECES las letras y las palabras no lo son todo. Hay una curiosidad natural hacia el creador. A veces el conocimiento personal del autor nos decepciona. Otras, como ante John Irving, hay una gloriosa complicidad.
TE ENCONTRÉ, JOHN

Veo a John Irving --¡oh, es él!-- encima de una de esas cintas móviles que sirven para ir muy deprisa y no moverse del mismo sitio. No sé las horas que dedica a escribir, pero sus dos horas de gimnasia no se las quita nadie. Irving no es un hombre que corra. Al fin y al cabo sus novelas están cocidas a fuego lento. Más o menos como su vida, siempre en busca de algo, siempre en pos de algún origen. Me dijo mi hija menor: "Si no lloras viendo Las normas de la casa de la sidra es que no eres persona". Le agradezco a Irving esa capacidad de escribir obras del siglo XIX en pleno siglo XXI, cuando en el mundo de la narrativa ya nada se espera personalmente exaltante. Y esa capacidad de anteponer el sentimiento a la descripción o al análisis.
Este señor me recuerda a Martin Sheen remontando el Mekong en busca del coronel Kurtz. Vietnam está presente en su mirada. Suena por megafonía, y no por casualidad, aquella canción de los Beatles extraída del Sargento Peppers en la que Paul McCartney enumeraba lo que le sucedería --"When I'm 64"-- cuando llegara a los 64. Irving ya ha llegado, pero la canción le evoca a un amigo suyo, Richard, cuyo nombre se encuentra labrado en la larga piedra negra que recuerda en Washington a los soldados caídos en Vietnam. El tiempo pasa y John Irving lo mira con calma. "Cuando uno tiene hijos y nietos se vuelve menos importante. Me preocupaba la muerte a los 20, a los 30. Me preocuparía la muerte de los jóvenes. Pero ahora no pienso en esas cosas". Y corre que te corre, siempre con un pie en Vermont, ahí donde la nieve todavía no se ha fundido, y el otro pie en Europa, ahí donde ese hombre hubiera podido ser amigo o tal vez rival de Charles Dickens.
Hasta que te encuentre es el título de su última novela. Un kilo y 200 gramos en la edición de Tusquets. Un poco más en la edición catalana de 62. Un tatuaje en la cubierta y otros tatuajes en la piel de ese hombre que hasta los 48 años practicó la lucha grecorromana. Se permite una ironía consigo mismo: "Siempre pensé que escribir una historia de un actor mediocre que llegaba a gobernador de California y que luego era elegido como presidente de Estados Unidos era algo que nadie se iba a creer. Me equivoqué, porque Ronald Reagan fue reelegido. Pensé entonces que jamás EEUU volvería a tener un presidente peor que Reagan. De nuevo volví a equivocarme: hoy tenemos a Bush".
Irving forma parte de esa América buena que nos permite conservar alguna lejana esperanza en que vuelva a liderar una parte del mundo. En pocos días Bruce Springsteen y John Irving que han pasado por aquí a dejar el testimonio de sus obras. Son más valiosos cuanto más escasos. Viven en un país contradictorio y nos cuentan su vida personal: "No salgo mucho de casa. Me levanto para hacer el desayuno a mi hijo pequeño y a mi mujer. Tengo el gimnasio en casa y desde allí escribo. Hablo mucho con mi perro. Y, después de la cena, si hay suerte, tal vez algo de sexo". Pequeñas coqueterías de un creador de historias, demasiado universal para ser solo americano. Es, sin duda, uno de los nuestros. Joan Barril

No lo he podido evitar, este hombre me encanta y estoy deseando leer el último libro, 'Hasta que te encuentre'. Ya lo tengo en casa, ahora sólo falta que le llegue el turno. Os recomiendo cualquier libro de él pero sobretodo 'Una mujer difícil', del cual hicieron una adaptación al cine hace poco con Kim Basinger y Jef Bridges.

Miembro de una conocida familia de artistas, la pequeña del clan Molina ha sacado nuevo disco la mercado. Acabo de escucharlo y me ha parecido una maravilla, como los tres cd's que tiene. El primero 'Tu despedida' fue para mí un descubrimiento no tanto a la persona si no a la voz, con canciones llenas desentimiento y dulzura que mecían mis sentidos. Luego apareció 'Vuela' el segundo dicen que es el de la consagración y reafirmo esta sentencia, letras de nuevo impresionantes escritas por su hermano, verdaderos poemas musciales. El tercero 'De cal y arena', quizás le más conocido pero el que menos me gusta, perdió para mi gusto un poco de pounch y ese estilo que la caracterizaba. Lo ha recuperado en 'A vida', de nuevo canciones llenas de fuerza, optimistas con nuevas maravillas literarias, escucharlo si podeis, no os arrepentireis. Os dejo la letra y el enlace del primer single.

Hace tiempo que el destino
separó nuestros caminos.
Hace tiempo que mi olvido se marchó contigo.
Lejos de haberlo vencido,
hoy me rindo a lo que fuimos,
hoy me rindo a seguir preso de ese amor perdido.
Donde sea que hoy estés,
quiza quieras saber que nunca entregué el ayer.
Tus besos, tu y yo, que nos amomas sin temos,
que no pedimos nada y todo lo tuvimos,
dime si hubo algún motivo para darlo todo por perdido.
Un recuerdo sin espera,
las cenizas de una hoguera,
en el hueco de tu ausencia es todo cuando queda.
en el alma a la deriva,
miro tu fotografia,
ya no espero tu regreso al alba de mis dias.
Donde sea que hoy estés...
Tu y yo...

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